История мировой культуры

© ООО «Филологическое общество "СЛОВО"», 2010

© ООО «Филологическое общество "СЛОВО"», оформление, 2010

* * *

Слово «культура» принадлежит к числу тех, которые мы употребляем достаточно часто. Оно встречается практически во всех языках, однако в зависимости от контекста обозначает достаточно разные понятия. Несмотря на продолжительные споры о его содержании, ни в отечественной, ни в мировой науке до сих пор нет единого представления о том, какой смысл следует вкладывать в слово «культура». Правда, большинство ученых склонны понимать культуру как сложное, многокомпонентное явление, обозначающее все то, что человек создал своим трудом: средства труда, различные открытия и изобретения, религиозные, моральные и политические представления, способы общения людей и произведения искусства.

Однако культура – это не только система ценностей, но и динамичный процесс их созидания как всем обществом, так и отдельными личностями в определенном историческом контексте. Одновременно с изменениями политической и общественной ориентации общества, трансформацией условий жизни человека менялось его отношение к самому себе, природе и другим людям. Подобные изменения и определяют уровень и характер развития культуры в ту или иную эпоху.

История культуры предполагает комплексное изучение различных ее областей – науки, техники, образования, быта, фольклора, общественной мысли, литературы. Но нас в данный момент интересует лишь одна ее часть, а именно культура художественная, т. е. система художественных ценностей, созданных человеком, а также особенности историко-культурного процесса в различные исторические эпохи. Иногда он приобретает достаточно четко определяемые особенности, и тогда мы можем говорить о преобладании культуры определенного стиля.

Материал справочника охватывает три основных пласта художественной культуры – изобразительное искусство, музыку и архитектуру. Историко-литературный фон привлекается составителями лишь по мере надобности, поскольку его рассматривают в соответствующих учебных курсах. Объем рассматриваемого материала согласован с действующими программами курсов «Мировая художественная культура», «Изобразительное искусство» и «История».

Огромное влияние на художественную культуру всегда оказывала религия. Системы религиозных представлений, господствовавшие в определенные исторические периоды, подчиняли себе практически все виды и жанры искусства. Правда, были в истории человечества и такие периоды, когда культура строилась не на религиозных, а на атеистических представлениях. В этих условиях ее развитие также приобретало определенные особенности. Естественно, что подробное рассмотрение таких вопросов возможно лишь в специальных исследованиях, поэтому составители справочника считают своим долгом дать лишь общее представление о них.

Ограниченный объем справочника определил его композицию – чередование обобщенных, достаточно беглых характеристик культуры отдельных эпох в небольших очерках со статьями, посвященными отдельным видам и отраслям искусства, а также разъяснение отдельных терминов и понятий, вошедших в состав мировой культуры. По этой же причине нам пришлось отказаться от персональных статей, посвященных выдающимся зодчим, композиторам, художникам.

Авторы справочника рассчитывают, что их труд поможет читателю сориентироваться в необозримом океане тысячелетней человеческой культуры, а также подскажет, что и где можно прочитать по интересующему вопросу. Они будут благодарны за высказанные замечания и пожелания.

А

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ стал соединением абстрактного искусства и экспрессионизма, где подсознание человека художники стремились выразить с помощью произвольных форм и пятен красок. Его иногда называют абстрактным импрессионизмом, подчеркивая связь с картинами К. Моне, где главным является смесь образующих поверхность красок, как будто полуслепой художник искал живописные эквиваленты для выражения своих зрительных впечатлений. Примером могут служить «Импровизации» В. Кандинского, которые сам автор называл «канонами» для идентификации, предоставив зрителю догадываться об их содержании.

Пятна, цветные облака образуют сложнейшие сочетания, среди них, словно молнии разного цвета, зигзагами пролетают линии. Этот «хор красок и линий» сообщает зрителю определенное настроение, напоминающее поэтический образ или звуки музыки. Кандинский считал, что восприятие красок вызывает у зрителя определенные эмоции, ассоциации с звуками музыкальных инструментов: желтая – бешенство, земные страсти, звук флейты, синяя – спокойствие, напоминающее звуки виолончели, зеленая – ощущение неподвижности.

АБСТРАКЦИОНИЗМ

Развитие абстракционизма в послевоенное время связано прежде всего с США, куда к этому времени переселяются многие художники из Европы. Но послевоенный абстракционизм не был однородным, в нем выделялось несколько тенденций.

Прежде всего это «живопись действия», или абстрактный экспрессионизм. Крупнейшие представители – В. Поллок, А. Горки, С. Френсис. Его представители появились и во Франции, где их искусство получило наименование ташизма (от фр. tache – пятно). Содержание картин передавалось с помощью пятен краски различной формы, размещенных на холсте. Это было развитие традиций живописи начала XX века, и прежде всего В. Кандинского.

На одной из недавних выставок в Москве Поллок представил картины, написанные в духе «психического автоматизма», когда узоры образуются вылитыми на холст ручейками жидкой краски.

Вторая группа – художники, занимавшиеся собственным мифотворчеством. Например, испанец Ж. Миро, покрывавший холсты стилизациями под японскую и китайскую каллиграфию. Ж. Дюбюффе предложил зрителям имитации творчества наивных художников.

Третья группа представлена технизированным, абстрактно-геометрическим искусством. Ее представители тяготели к традициям конструктивизма 20-х – начала 30-х годов. Это А. Адан во Франции, А. Коддер в США и Б. Никольсон в Англии. Для искусства этого направления характерно предпочтение декоративных решений и объемно-пространственной пластики – различных модулей, движущихся конструкций – мобилей и различных псевдомеханизмов.

АВАНГАРДИЗМ (франц. avant-garde – передовой отряд) Сам термин «авангард» был перенесен в область художественной критики из сферы политики в 1885 году Т. Дюре в Париже. Начиная с 20-х гг. XX в. он прочно утвердился в искусствознании.

Обычно под авангардом понимают те направления в искусстве XX в., представители которых провозглашали разрыв с традициями реалистического искусства. Новые выразительные средства стали у авангардистов основой для создания необычных по стилю и художественным приемам произведений.

Трудно найти другой термин, в понимание которого вкладывалось бы так много значений. В настоящее время многие исследователи обозначают этим словом нереалистические течения в искусстве XX века, заменяя ранее использовавшийся термин «модернизм» (последний соотносят со временем рубежа веков с отдельными проявлениями в последующие десятилетия, причем преимущественно в архитектуре и музыке).

Отличительной особенностью авангардизма стало создание «новой художественной реальности». Его представители считали устаревшими привычные формы, в том числе строгие нормы стихосложения (и даже синтаксиса), выступали против реализма, который, по их мнению, не мог отразить всей сложности стремительно менявшейся действительности. Полотна стали покрываться разнообразными цветовыми пятнами, произведения представляли собой не связанные между собой главы, где, казалось, перепутаны все страницы. В театре последователи авангардизма отказывались от внешнего правдоподобия в оформлении спектаклей, заменяя реалистические декорации абстрактными конструкциями. Иногда целью художника становился чистый эксперимент в области формы.

Среди основных течений в живописи – футуризм, экспрессионизм, фовизм, кубизм и его разновидности пуризм и рационализм (в России), дадаизм, сюрреализм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, поп-арт, ташизм.

К музыкальному авангардизму относят обычно так называемую конкретную музыку, основанную на свободе тоновых созвучий, а не на гармоническом ряде: соноризм, электронную музыку. Первые поиски в данном направлении были предприняты еще в самом начале XX века русским композитором А. Н. Скрябиным. В настоящее время к музыкальному авангарду принадлежат крупнейшие композиторы ряда стран – К. Штокхаузен, Я. Ксенакис, П. Булез, Л. Ноно, Д. Кейдж, Д. Лигети, Х. В. Хен, Л. Берно, К. Пендерецкий. Главным качеством их музыки является свобода звуковых сочетаний, создающих самые различные образы. Следует отметить, что это отнюдь не мешает композиторам передавать самое серьезное содержание: например, широко известны такие произведения К. Пендерецкого, как «Утреня» и «Реквием в честь жертв Хиросимы».

АВТОПОРТРЕТ (греч. autos – сам) – изображение художника, выполненное им самим. Одна из разновидностей портретного жанра в живописи, графике и скульптуре.

В словесном искусстве художник может выразить себя с помощью автобиографических жанров – дневника, исповеди, воспоминаний. В живописи, графике, скульптуре через автопортрет художник выражает свой внутренний мир. Он даже может зафиксировать возрастные изменения, возвращаясь к изображению самого себя через какой-то промежуток времени. Выполняется автопортрет при помощи одного или нескольких зеркал, а иногда по фотографии и даже без какого-либо точного следования натуре. Точное понимание термина предполагает, что на картине изображается сам художник и это произведение строго определенного портретного жанра. Однако иногда художник вводит себя в качестве действующего лица в жанровые композиции. Тогда это не автопортрет, а лишь попытка изображения самого себя в качестве одного из действующих лиц картины иного жанра.

Первые попытки самоизображения художника известны еще в античности (Фидий) и средневековье. Например, Вит Ствош, мастер, вырезавший алтарь Краковского собора, изобразил себя в виде одного из библейских персонажей. Живописцы раннего Возрождения (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Лука Синьорелли и другие) также вводили свои портреты в религиозные композиции.

Как разновидность портретного жанра автопортрет сложился только в XVI в. (см. Портрет). В искусстве Высокого Возрождения (Рафаэль, А. Дюрер) он выражал общую концепцию времени: любой человек является уникальной, неповторимой личностью, а его внутренний мир – достойным изображения.

Живописцы позднего Возрождения (Тициан, Тинторетто) раскрывали в автопортрете драматическую судьбу творческой личности. Для автопортрета эпохи маньеризма характерны замкнутость, усложненность внутреннего мира мастера (Понтормо, Пармиджанино). Психологическая глубина и напряженность присуши автопортретам-исповедям Рембрандта, передающим конфликт художника с окружавшей его социальной средой. Любопытно, что Рембрандт писал автопортреты на протяжении всей своей жизни. Очень интересны его семейные портреты, прежде всего с любимой женой Саскией. Продолжая традиции предшественников, утверждали самоценность личности Н. Пуссен и П. Рубенс.

Художники XVIII в. (Ж. Б. С. Шарден, Дж. Рейнолдс) наряду с социальной характеристикой подчеркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе.

Особое место автопортрет занимает в искусстве романтизма начала XIX века, когда преобладал интерес к внутренней жизни личности. В это время в автопортретах появляются символические детали – развалины, пейзажный фон, углубляющие характеристику портретируемого.

Совершенно иначе подходят к собственному изображению художники рубежа XIX–XX вв., проводя эксперименты с конструированием личности изображаемого на плоскости (П. Сезанн), расщеплением традиционного реалистического изображения (А. Модильяни). Одновременно в автопортретах отражаются трагические и сложные переживания человека XX века (Ван Гог).

В дальнейшем характерен как строго реалистический портрет (Д. Жилинский), так и сочетающий элементы реалистического и модернистского стилей. Известны и интересные попытки создания авангардистского портрета (Р. Гуттузо).

АВТОРСКАЯ ПЕСНЯ

Так называют один из жанров, появившихся в условиях жесткого идеологического давления конца 50-х – 60-х годов XX века. В это время были созданы различные художественные формы для выражения несогласия с действительностью – «самиздат», альтернативная живопись. Тогда же появилась и авторская песня. Она уходит корнями в народную смеховую культуру, использует образы и поэтику городского фольклора, анекдота, традиции городского романса XIX века, даже «блатные» мотивы.

Одним из первых обратился к этому жанру Б. Окуджава (род. 1924), выпустивший в 1959 году сборник «Острова», многие стихи из которого и были песнями. Практически одновременно с ним появились песни А. Галича (1918–1977), а чуть позже – Ю. Визбора, В. Высоцкого, Ю. Кима.

Для поэтики авторской песни характерна неторопливость и естественность обычной человеческой речи, ритмическая простота. Вместе с тем многие образцы авторской песни отличаются яркой метафоричностью. Язык авторской песни простой, но вместе с тем афористичный, поскольку в ней нет повторов и многословных описаний.

Принципиальная особенность, отличающая авторскую песню от других песенных жанров, – оппозиция всему официальному, навязываемому «сверху». Она и сближает ее с анекдотом. Исповедальность интонации, свойственная большинству авторских песен, посредством легкой иронии связана с гражданственностью содержания. Правда, иногда ирония переходит в сарказм, и тогда вся песня приобретает характер сатирического куплета.

АДАЖИО (итал. adagio – медленно, спокойно) – название одного из музыкальных темпов.

Как и некоторые другие музыкальные темпы – аллегро и анданте, термин адажио нередко используется для обозначения как самого темпа, так и пьесы, написанной в этом темпе, например медленного лирического танца в балете. Чаще всего адажио исполняют главные герои романтического балета – влюбленная пара. В мелодии обычно используется арфа (нередко солирующая) и несколько скрипок, музыка медленная, содержащая множество оттенков: она может быть задумчивой, скорбной или, напротив, очень нежной, светлой, воздушной, в зависимости от замысла композитора.

АКАДЕМИЗМ – так принято называть художественный стиль, сложившийся в европейских художественных академиях XVI–XIX веков. Название происходит от знаменитой академии Платона, местом бесед философа с учениками была роща, посвященная римскому богу Академу. Позже это название использовали гуманисты эпохи Возрождения.

Первоначально академии были лишь собраниями художников, но с течением времени так стали называть учебные заведения, где преподавали ведущие мастера искусств.

Подобная академия впервые появилась во Франции в 1648 году для подготовки скульпторов и художников. В ней впервые был составлен комплекс принципов, определявший творчество ее слушателей. В его основе лежали черты стиля классицизма – подражание античным образцам, четкость линий, спокойствие поз, статичность композиций. Основной тематикой работ были сюжеты античных мифов, но допускалось и обращение к истории своей страны.

Вначале академия сыграла свою роль в развитии французского искусства, но со временем она превратилась в достаточно консервативное учреждение, и многие художники и скульпторы вышли из нее. Основанием для этого явилась строгая регламентация жанров, обращение в основном к мифологическим и религиозным сюжетам, сама действительность объявлялась «низкой», недостойной изображения.

Сам термин академизм стал оценочным для обозначения тех направлений, которые ориентируются на установленные образцы, на максимальное приближение к творениям искусства прошлых эпох, тяготение к абсолютным, не зависящим от места и времени нормам прекрасного.

Следует, правда, отметить, что в системе академического образования было много достоинств. И сегодня многие художественные школы основываются на академической культуре рисунка, обучая основам изображения человеческого тела как началу эстетического образования.

А КАПЕЛЛА (итал. a cappella) – хоровое пение без инструментального сопровождения. Название произошло от места исполнения подобных произведений (итал. cappella – часовня). Пение а капелла дословно означает «как в часовне», т. е. без органа, в отличие от больших соборов, где во время богослужения обычно звучал орган. Этот способ исполнения получил распространение в католической церкви, а в православной стал вообще единственным.

С развитием светской музыки слово «капелла» стало обозначать и группу исполнителей вокальных произведений. Применительно к пению хора выражение «а капелла» означает «без инструментального сопровождения». Звучание такого хора обладает особой трепетностью, поскольку множество голосов подстраиваются друг под друга и объединяются одним дыханием.

В мировой музыкальной литературе есть множество произведений, написанных специально для хора без сопровождения (как мужского, так и смешанного). Это оратории, сюиты для хора и солиста, реквиемы, циклы песен. В них заметно сильное влияние традиций духовной музыки. Пение а капелла также характерно для народного музыкального творчества.

Особое развитие этот прием исполнения получил в творчестве многих композиторов второй половины XIX–XX веков (хоры Бартока, Бортнянского, Чайковского, Танеева, Шостаковича, Свиридова).

АКВАРЕЛЬ (франц. acquarello, от лат. aqua – вода) – это особая техника графики, основанная на использовании прозрачных водорастворимых красок (на клеевой основе).

Акварельные краски отличаются тем, что позволяют передавать тончайшие оттенки цвета. Обычно их накладывают на бумагу тонкими слоями, а в самых светлых местах может даже просвечивать бумага. При этом одна краска плавно переходит в другую, создавая мягкие очертания. Чтобы получить более темный тон, художник должен положить несколько слоев краски на одно место. Поэтому чаще всего в технике акварели выполняют пейзажи, где необходимо передать разнообразные переходы цвета.

Живопись непрозрачной акварелью была известна в Древнем Египте (по качеству она приближается к гуаши), античном мире, средневековой Европе и Азии. Чистая акварель стала широко применяться в начале XVI века, когда были изобретены тонкотертые краски. Классическим считается английский способ нанесения акварели. Он заключается в использовании белой бумаги высокого качества. Она становится не только основой, но и фоном, первым цветом для художника.

Одним из признанных мастеров акварели считается Д. Тёрнер (1775–1851), который не только свободно использовал телесные цвета, но для создания большей выразительности вытирал наполовину высохшую краску и даже выскабливал бумагу для получения дополнительного светового эффекта.

В XVIII в. акварель распространяется также во Франции (Ж. О. Фрагонар, Ю. Робер).

В XIX в. в технике акварели плодотворно работали Э. Делакруа, О. Домье, П. Гаварни во Франции, А. Менцель в Германии, И. Е. Репин, В. И. Суриков, М. А. Врубель в России и др.; продолжался расцвет английской школы акварели (Р. Бонингтон, Дж. С. Котмен, У. Кэллоу, У. Тёрнер и др.). К акварели охотно обращались представители неоимпрессионизма (П. Синьяк), а также экспрессионизма, в частности А. Матисс.

Любопытно, что на рубеже XIX–XX веков акварель наряду с другими материалами используется в сочетании с белилами, гуашью, темперой, пастелью, углем, бронзовой краской и т. д.

АКВЕДУК (лат. aquaeductus, от acqua – вода и duco – веду)

Само слово обозначает открытый или закрытый водопровод для подачи воды к населенным пунктам из расположенных выше них источников. Акведуком стали называть и особый тип арочных мостов, у которых несущими конструкциями являлись стенки и днище лотка, а не только арочные опоры.

Акведуки были известны еще в древности на Ближнем Востоке, например, водовод, построенный при Синахерибе в Ниневии в 691 году до н. э. Крупные арочные акведуки впервые стали строить римляне. Первый из 14 акведуков протяженностью 16,5 километров – «Аква Аппия» – был построен в 312 году до н. э., последний был сооружен до 54 г. н. э. по указу императора Клавдия. Любопытно, что около 100 городов Римской империи получали питьевую воду с помощью акведуков. Самый длинный акведук протяженностью 132 километра был сооружен в Карфагене. Нередко поверх покрытия лотка прокладывалась дорога, и сооружение использовалось как мост. К наиболее хорошо сохранившимся акведукам относится Гарский акведук близ Нима.

АККОМПАНЕМЕНТ (франц. accompagner – сопровождать) – музыкальное сопровождение партии солиста. Древнейшая форма аккомпанемента – ритмические удары барабана, кастаньет или бубна. Они подчеркивали ритм и задавали нужный темп. Со временем искусство аккомпанемента развивалось: так, в средние века для этого использовали струнные щипковые инструменты – лютню, цитру, а затем и гитару.

В настоящее время чаще всего аккомпанируют на рояле, поскольку он обладает исключительно высокими мелодическими возможностями и хорошо дополняет певческие голоса и музыкальные инструменты. Однако для этой цели можно использовать и другие инструменты – гитару, баян, или даже ансамбли. Чаще всего с аккомпанементом выступают певцы, скрипачи и виолончелисты.

Аккомпанемент следует отличать от ансамблевого исполнения. Разница между ними заключается в том, что в ансамбле у каждого исполнителя своя музыкальная партия, а при аккомпанементе она едина для всех. Поэтому одно и то же произведение может звучать под аккомпанемент как отдельного инструмента, так и целого оркестра.

Вместе с тем многие композиторы специально пишут музыку, рассчитанную на исполнение с аккомпанементом. Это сочинения для скрипки и фортепьяно, песни, романсы. Солист и сопровождение как бы ведут диалог друг с другом: передают друг другу слово, спорят или сливаются в согласном звучании. Аккомпанемент – это не просто «фон». Задача аккомпаниатора – помочь исполнителю раскрыться, выявить все богатство написанного композитором, а также и его возможности. Поэтому известные исполнители относятся к аккомпанементу очень серьезно и подолгу выступают вместе. Только тогда достигается полная согласованность и взаимопонимание между ними.

АККОРД (итал. accord, фр. accordo – согласие) – созвучие, совместное звучание нескольких (не менее двух) разных по высоте звуков, извлекаемых, как правило, одновременно. Аккорды различаются по количеству и интервальному соотношению входящих в них звуков. Наиболее часто применяются так называемые терциевые аккорды, в которых звуки расположены по терциям, т. е. различаются не менее чем на полтора тона. Аккорды такого строения подразделяются на трезвучия, септаккорды (4 звука) и нонаккорды (5 звуков). Нижний звук в них является основным тоном, а остальные с ним согласуются.

Главным для данного музыкального приема является слитность звучания. Понятно, что особенно она важна при хоровом, многоголосном пении, а также при настройке музыкальных инструментов. Любопытно, что голос сравнивается со струной, поскольку «корда» и означает «струна». От точности настройки и согласованности звучания зависит чистота и тщательность исполнения.

АКРОПОЛЬ (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город) – возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, так называемый верхний город, крепость. В случае войны она могла использоваться и как убежище для жителей города. На акрополе находились храмы божеств – покровителей данного города, хранилище для городской казны и оружия. Наиболее известен акрополь в Афинах, столице современной Греции.

Архитектурный ансамбль Акрополя является одним из высших достижений античной архитектуры. Он создавался в эпоху Перикла (444–429 г. до н. э). Руководил строительством зодчий Фидий.

Центром афинского Акрополя является Парфенон, или храм Афины Парфенос, построенный в 400-х годах до н. э., когда Афины были могущественным и процветающим городом. Этот один из самых больших храмов Акрополя, который был и центральным местом всех празднеств, был построен для прославления богини Афины, покровительницы города. Внутри него стояла статуя Афины, выполненная известным скульптором Фидием.

Во время празднеств в Акрополь направлялось торжественное шествие, которое заканчивалось жертвоприношениями и играми.

АЛЛЕГОРИЯ (греч. allegoria) – в искусстве наглядный образ, воплощающий явление либо умозрительную идею (например, фигура с голубем в руке – аллегория мира; женщина с повязкой на глазах и весами в руке – аллегория правосудия). По определению И. В. Гёте, аллегория «претворяет явление в понятие, понятие – в образ, в такой, однако, форме, что образ остается вполне адекватным имеющему четкие пределы понятию, которое он выражает целиком». По своей функции часто сближается с эмблемой.

Наиболее распространенный вид аллегории – персонификация, т. е. создание фигуры, снабженной одним или несколькими атрибутами, поясняющими ее смысл. Сложные аллегорические изображения, требующие расшифровки, характерны для искусства поздней античности, средневековья, Возрождения, а также XVII в. (например, служанка, ищущая блох, как аллегория кающейся души и т. д.).

Аллегории встречаются и в реалистическом искусстве XIX–XX вв., нередко имея острый социально-политический смысл (например, аллегорическая фигура Революции или Свободы в картине Э. Делакруа «Свобода на баррикадах», 1830, Лувр). В XX в. аллегории распространены в монументальной скульптуре и живописи, а также в плакате и политической карикатуре.

АЛЛЕГРО

С итальянского слово allegro переводится как «весело» или «быстро», поэтому им и обозначают веселый, радостный, живой характер музыки. Для исполнителя в нотах для этого даже ставится специальная помета. Немного позже так стали называть и пьесы, написанные в этом темпе и не имевшие специального названия, – например, Большое концертное аллегро.

С середины XVIII в., когда появляются произведения для симфонического оркестра или для исполнения определенным ансамблем – симфонии, концерты, трио, квартеты и квинтеты, аллегро становится их первой частью. Композиторы, часто работавшие на заказ, да еще к определенным срокам, не имели возможности постоянно изобретать что-то совсем новое и создали четко определенную форму. Название ее – сонатное аллегро. Звучала она недолго, поскольку должна была вызвать определенное настроение у зрителей, подготавливая их к дальнейшему восприятию остальных частей. Самыми большими мастерами этой небольшой, но выразительной формы были Гайдн, Моцарт, Бетховен.

Позже сонатное аллегро использовалось многими музыкантами и композиторами, например Шубертом, Листом и Малером. Это небольшой рассказ о герое, в первой части – экспозиции – он представляется, вступает во взаимоотношения с другими персонажами, во второй (разработке) происходит его развитие, а в конце (в репризе) автор показывает, что с ним стало, как он изменился в результате конфликта. Нынешнее аллегро – форма свободная и подвижная. Главное ее качество – сочетание контрастных мелодий, постоянное движение и борьба.

АМПИР (от французского empire – имперский) – стиль, возникший во Франции на рубеже XVIII–XIX вв. Является органическим завершением длительного развития европейского классицизма. Ампир проявился преимущественно в архитектуре, скульптуре и живописи. Основная особенность данного стиля – сочетание массивных простых геометрических форм с предметами военной эмблематики – мечами, венками, щитами, копьями. Его источником является римская скульптура, от нее ампир унаследовал торжественную суровость и четкость композиции.

Ампир первоначально сложился во Франции на рубеже XVII–XIX вв. в эпоху Великой французской революции 1789–1794 гг. и отличался ярко выраженным гражданским пафосом. В период империи Наполеона I искусство должно было прославлять военные успехи и достоинства правителя. Отсюда происходит увлечение строительством различного рода триумфальных арок, памятных колонн, обелисков. Важными элементами декоративного убранства зданий становятся портики. В отделке интерьеров часто используются бронзовое литье, роспись плафонов и альковов. Для мебели в стиле ампир характерно сочетание ценных пород дерева и деталей из золота, меди или позолоченной бронзы. Здесь наблюдалась определенная эклектичность, свойственная данному стилю, – использование мотивов египетских рельефов, этрусских ваз, помпеянских росписей, греческого и римского декора.

В России ампир получил распространение уже в начале XIX века, когда в Петербурге создавались основные градостроительные ансамбли – Театральная улица, стрелка Васильевского острова, Адмиралтейство.

После победы в войне 1812 года стиль ампир стал использоваться для выражения идеи независимости и величия русского государства. Наиболее характерные постройки этого периода – памятник Минину и Пожарскому в Москве работы скульптора И. Мартоса и здание Александрийского театра в Петербурге, построенное по проекту архитектора Росси. Использовался ампир и в декоративно-прикладных целях.

Классической постройкой, выполненной в стиле ампир, считается архитектура Провиантских складов в Москве. Сочетание простых геометрических форм и нарочитая суровость плоских белых стен создают впечатление основательности и торжественной монументальности.

Несмотря на то, что к середине прошлого века стиль ампир ушел в прошлое, отдельные его элементы продолжали использоваться в архитектуре и искусстве еще в 30–50-е годы XX века.

АМФИПРОСТИЛЬ (греч. amphiprostylos, от amphi – с обеих сторон и prostylos – имеющий колонны с передней стороны) – тип древнегреческого храма, прямоугольного в плане и имеющего колонные портики на торцовых фасадах. Продольные стены амфипростиля сооружались из гладких каменных блоков и не имели украшений.

АМФИТЕАТР (греч. amphitheatron)

Уже древние римляне стали задумываться об удобстве расположения мест для зрителей. Слово «amphi» в переводе с греческого означает «кругом, со всех сторон». Theatron – театр, то есть место для зрелищ. В классическом античном театре ступенчатые ряды зрительских мест (театрон) располагались вокруг площадки полукругом. Нередко ему придавали форму эллипса, амфитеатр располагался вокруг находившейся в центре арены в виде постепенно повышавшихся уступов. Для этого часто использовали естественное расположение холмов с их склонами. Обычно они предназначались для зрелищ – боев гладиаторов, травли диких зверей, театрализованных представлений.